3. Descomposición, Aplausos, Simetría y Cuántica.

La ciencia, el descubrimiento científico, no se vuelve popular hasta que los artistas acogen los frutos de esos descubrimientos. - Neil deGrasse Tyson

Aaron Asanov: Rorschachum Natura. http://bit.ly/1B6zT9Q

Aaron Asanov: Rorschachum Natura. http://bit.ly/1B6zT9Q

Los avances en el conocimiento de los fenómenos físicos del universo han provocado un cambio profundo en nuestro punto de vista de la realidad. La transformación más radical que el pensamiento humano ha experimentado en la historia moderna es el cambio de perspectiva del universo perfecto, familiar y previsible de la física clásica, al universo (o multiverso) raro e impredecible que describe la teoría cuántica. Pensemos, por ejemplo, en el estado de superfluidez del helio líquido (video de abajo) en donde las leyes naturales como aplican en nuestra vida cotidiana se ven irracionalmente violadas. 

Es comprensible que desde nuestra perspectiva antropocéntrica, entendamos intuitivamente los procesos lineales que suceden en la naturaleza, y que valoremos más la representación de esos procesos en el arte. Nuestra existencia en el mundo es indudablemente lineal: nacemos-vivimos-moririmos. Sin embargo, aunque nuestra percepción nos falla, en el mundo físico suceden procesos extraños y no-lineales todo el tiempo. Hoy en día existe  la tecnología necesaria para poder apreciar los fenómenos cuánticos de la naturaleza, y al ser consciente de ellos, "el efecto es aquél de estar de repente en un punto de perspectiva desde lo alto--a la vez emocionante y aterrador, mientras se revela que la perspectiva familiar que tenemos de nuestro entorno no es más que una perspectiva limitada y egocéntrica sobre una realidad más amplia e impersonal." (H. Price). Ésta perspectiva descompone la visión clásica con la que acostumbramos mirar nuestro entorno y transforma nuestras presuposiciones de lo que es la realidad.

Existen, a grandes rasgos, dos maneras de acoger los frutos de la ciencia para hacer arte. Por un lado, se pueden utilizar las herramientas científicas para la creación artística, por el otro, tenemos el terreno de las ideas de la ciencia; conceptos complejos y alejados de nuestras experiencias sensoriales cotidianas, procesos insólitos y excéntricos. La simbiosis entre el arte y la ciencia es necesaria para el avance de ambos; mientras que el arte se nutre de utilidades y abstracciones científicas para el acto creativo y analítico, la ciencia depende de la sensibilidad y comunicación artística para transmitir sus descubrimientos de manera sintetizada, estética y en el mejor de los casos, sublime.  

En el ámbito musical, debido principalmente a nuestras predisposiciones culturales, y al hecho de que los humanos habitamos en el terreno de la subjetividad, estamos acostumbrados a pensar en la música como algo predeterminado: la música debe tener una teleología bien definida, un principio, desarrollo, clímax y final, evocar imágenes e historias, mover sentimientos o comunicar ciertas ideas. La música tonal occidental, por ejemplo, tiene predominantes características lineales; objetivos, medios, etrategias y funciones: "la linealidad de la tonalidad convenientemente corresponde a muchos procesos dirigidos a objetivos en la vida occidental. Sin embargo, no debemos ser engañados por el confort de la escucha tonal. Es un comportamiento aprendido, como  las predominantes artes no-lineales de varias culturas distintas nos lo recuerdan." (Kramer, J.)

Durante el siglo XX, la revolución de John Cage et al hacia una música con inclinaciones experimentales representa un síntoma del cambio de perspectiva que generaron los avances científicos y la globalización desde finales del siglo XIX. Cuando se estudia, se escucha o se crea música desde un punto de vista alejado de las narrativas lineales, se abren nuevas posibilidades interpretativas y de experiencias sensoriales. Tomemos por ejemplo Clapping Music (1972) de Steve Reich.

Partitura original de Clapping Music.

Partitura original de Clapping Music.

A primera vista, se hace evidente la unidad estructural de la pieza, el minimalismo en los medios (cuatro palmas) y su cualidad reduccionista en tanto que el Todo depende y se define en función de sus partes mas pequeñas, por lo que es conveniente hacer una descomposición de la obra y explicarla de manera interdisciplinaria describiendo cada una de sus partes. Podemos hacer una comparación estructural de la obra con la composición de una célula biológica; de ésta manera se transmite la idea y la imagen de una entidad mecánica con un propósito en sí mismo, que si bien, podría o no formar parte de algo más amplio, tiene principio, fin, unión y significado connatural. Llamaremos Célula Sonora al englobamiento de Toda la obra en sus diferentes planos de percepción, incluyendo los procesos intrínsecos, las ideas que la conforman y el resultado sonoro.

Representación visual de la Célula Sonora.

Representación visual de la Célula Sonora.

Dentro de la Célula Sonora encontramos Variaciones Rítmicas (3) que interactúan una por una con el Núcleo Sonoro (1), creando nuevas conexiones rítmicas cada ciclo, y transformando así la forma de la Célula Sonora durante el proceso de la pieza. Reduciendo aún más nuestra perspectiva, llegamos al punto de vista molecular y encontramos pequeñas estructuras dentro de las Variaciones y el Núcleo, lo que llamaremos Moléculas Rítmicas (2), cuyas relaciones de yuxtaposición y simultaneidad ocasionan un cambio en el carácter general de la Célula en cada ciclo. Finalmente, nos encontramos con la Membrana Sonora (4) o la epidermis aural de la pieza, éste es el resultado sonoro que obtenemos al poner en marcha el mecanismo de la Célula Sonora en un determinado tiempo y espacio: la ejecución de la música.

  Composición del Núcleo Sonoro de Clapping Music.  http://www.alarmwillsound.com/alarmists/?p=318  

 

Composición del Núcleo Sonoro de Clapping Music.  http://www.alarmwillsound.com/alarmists/?p=318

 

Con ésta alegoría mecánico-orgánica de la estructura de Clapping Music se intenta hacer más evidente la filosofía musical de Reich declarada en su manifiesto de 1968: "lo que distingue los procesos musicales es que ellos determinan los detalles de nota a nota (sonido a sonido) y la forma general de la pieza de manera simultánea. (...) una vez que el proceso está en marcha, funciona por sí mismo." (Music as a Gradual Process)

El proceso que subyace la composición de Clapping Music se basa en la técnica del desfase, de manera que mientras el intérprete 1 permanece en el Núcleo Sonoro durante toda la pieza, el intérprete 2 desfasa su parte a distancia de una corchea hacia la izquierda cada vez que se completa el ciclo. Ésto tiene como resultado un cambio abrupto en el ritmo que se percibe; con cada desfasamiento rítmico, se transforma la forma y el carácter general de la Célula Sonora. Los cambios en la estructura pueden ser diminutos, pero la transgresión en el resultado sonoro es poderosa; el arte de hacer más con menos que caracteriza al Minimalismo. Ésta técnica de composición musical, o descomposición, por la manera en que quiebra, divide y transforma el material sonoro, está fundamentada en los experimentos con cinta electromagnética que Reich había hecho en su estudio con piezas como It's Gonna Rain (1965) y Come Out (1966). Piano Phase (1967) es la primera obra en la que Reich traduce éste proceso electrónico a intérpretes humanos. 

Aunque a juzgar por el movimiento visual de la música, podría parecer que Clapping Music es una pieza lineal, su esencia es no-lineal, teniendo en cuenta que no existe un desarrollo temático; desde el inicio ya está presente el final de la pieza, y lo que podría parecer un desarrollo es en realidad una stasis rítmica disfrazada de minúsculas variaciones, además, encontramos que "un principio de organización inmutable, no una linealidad progresiva, determina la textura y el ritmo de la superficie desde el comienzo de la pieza" (Kramer, J.), en ése sentido, podríamos decir que la pieza tiene un razonamiento algorítmico, ¿quién dijo que ésos procesos se dan exclusivamente en la música electrónica?

Como herramienta de escucha para músicas como ésta en donde no existe un clímax, un arqueo dinámico, una narrativa que apele a la memoria o que genere expectativa, puede ayudar el disociarse de la trinidad pasado-presente-futuro, y adoptar un punto de vista continuo y contemplativo, en equilibrio entre la subjetividad estética y la objetividad temporal. La filosofía del Universo de Bloque podría informar más a quien se interese por la percepción objetiva del tiempo.

En la figura de abajo encontramos que al reducir cada ciclo de Clapping Music a su primer tiempo o primera Molécula Rítmica, nos quedamos con una estructura de canon retrógrado, en la que el ciclo número 7 se encuentra exactamente en el centro de la pieza. En el acto de la escucha, ésta parte es en donde existe un mayor grado de yuxtaposiciones rítmicas. En ésta reducción de la obra, se observa una función de simetría par

Primeras Moléculas Rítmicas (2) de cada Variación (3). Se observa un función de simetría par.

Primeras Moléculas Rítmicas (2) de cada Variación (3). Se observa un función de simetría par.

La unidad estructural, la simetría y la alegoría de los procesos electrónicos que encontramos en Clapping Music, y en mucho del trabajo de Reich, representa de manera estética la propuesta de un enfoque distinto en la organización, ejecución y apreciación del sonido. Reich es heredero de la evolución del pensamiento que inició alrededor de 70 años antes de que concibiera Clapping Music. En la historia de la música académica occidental, un momento clave en el cambio de perspectiva de lo subjetivo-musical a lo objetivo-estético sucede con el compositor francés Erik Satie, quien a finales del siglo XIX rechazaría ser llamado músico, prefiriendo ser considerado un fonométrico; alguien que piensa en la música desde una perspectiva acústica, y en la composición como la medición y organización de los sonidos desde una postura a la vez estética, filosófica y práctica.

Otro factor cultural del que Reich es heredero es el fenómeno de la globalización moderna, producto de la revolución industrial del siglo XIX,  lo cual propició el empleo de temas y técnicas de diferentes culturas en el arte occidental. El exotismo en la música de Debussy, Ravel, Rimski-Kórsakov e incluso Satie, abre nuevos panoramas rítmicos, melódicos y armónicos, y por lo tanto, nuevas estrategias de creación y de escucha. Reich, por su parte, estudió música en Ghana por un corto tiempo en 1971, Clapping Music es el resultado de éstos estudios rítmicos, la pieza está basada en el patrón de campana de la música africana.

Conclusión:

La evolución de los avances tecnológicos y el pensamiento nos permite apreciar los procesos micro/macroscópicos de nuestro entorno, lo cual ha provocado que la cultura, la manera en la que sentimos el mundo, se transforme con más rapidez que nunca y en una escala global. Richard Dawkins, uno de los biólogos mas importantes de la actualidad considera que: "la evolución cultural es mucho más importante en estos días que la evolución biológica." En la línea del tiempo del progreso humano, nuestra generación está parada al borde de ésta (r)evolución cultural, en donde el arte y las preocupaciones estéticas juegan un papel fundamental. En lo que Lipovetsky llama la "era del capitalismo estético," la pregunta queda abierta para quienes nos desenvolvemos en oficios culturales ¿cuál es el papel del sonido y el arte en los tiempos de la cuántica?

 __Kramer, Jonathan. The Time of Music.  Estados Unidos: Schirmer Books, 1988.

__Price, Huw. Time's Arrow and Archimedes' Point: New Directions for the Physics of Time. Reino Unido: Oxford University Press, 1997.  

__Reich, Steve. Writings About Music. Estados Unidos: Art Metropole, 1974.

GLOSARIO

Linealidad (Musical): La determinación de algunas características de la música de acuerdo con implicaciones que surgen de eventos anteriores de la pieza. (Kramer, J.)

No-linealidad (Musical): La determinación de algunas características de la música de acuerdo con implicaciones que surgen de principios o tendencias que se presentan en toda una pieza o sección. Es el continuum temporal creado por una continuidad permanente de principios en la sección o la pieza. (Kramer, J.)

Célula Sonora: El conjunto de los procesos, la notación, la ejecución y la experiencia sonora que se genera al ejecutar la obra en un determinado tiempo y espacio.

Moléculas Rítmicas: El conjunto de ritmos que compone el Núcleo Sonoro y las Variaciones Rítmicas. 

Núcleo Sonoro: El conjunto de Moléculas Rítmicas que se mantienen invariables para el intérprete 1. 

Variaciones Rítmicas: Interactúan con el Núcleo Sonoro en ciclos de 8 ó 12 repeticiones (dependiendo de la decisión de los intérpretes), están compuestas por las mismas Moléculas Rítmicas que el Núcleo Sonoro pero en distintas configuraciones.  

Membrana Sonora: Las frecuencias sonoras resultantes de la yuxtaposición y simultaneidad del Núcleo Sonoro y las Variaciones Rítmicas. La epidermis aural que percibimos en el nivel auditivo.